Hellenistische kunst | van 400 v. Chr. tot het einde van de eerste eeuw v. Chr

Architectuur

Een van de dingen die de Hellenistische tijd anders maakte dan andere tijden was de verdeling van het land van Alexander de Grote in kleinere delen. In elk deel was er een familie van leiders. De Ptolemeën hadden Egypte; de Seleuciden hadden Mesopotamië, de Attaliden hadden Pergamon, en andere leiders hadden andere delen. Elke leidersfamilie gaf geld voor kunst op een andere manier dan de stadstaten dat deden. Zij maakten grote steden en complexe groepen gebouwen op een manier waarmee de meeste stadstaten al in 500 v.Chr. waren gestopt. Deze manier van bouwen was nieuw voor Griekenland. Deze manier was niet om te proberen een natuurlijke plaats te veranderen of vast te leggen, maar om de gebouwen te laten passen bij de natuurlijke plaats. Er waren veel plaatsen voor plezier, bijvoorbeeld veel theaters en plaatsen om te wandelen. De Hellenistische landen hadden geluk omdat ze veel lege ruimte hadden waar ze grote nieuwe steden konden maken. Enkele van hun nieuwe steden waren Antiochië, Pergamon en Seleucia aan de Tigris.

Pergamon is een zeer goed voorbeeld van hellenistische architectuur. Het begon met een eenvoudig fort op de Acropolis (een zeer grote rots). Verschillende Attalidische koningen voegden eraan toe en maakten er een enorme groep gebouwen van. De gebouwen strekken zich uit vanaf de Akropolis in vele richtingen, gebruikmakend van de natuurlijke manier van dat deel van de aarde. De agora, in het zuiden op het laagste niveau, heeft galerijen langs zijn zijden, met stoai (mooie hoge stenen dingen om het dak omhoog te houden.) De agora is het begin van een straat die door de hele Akropolis loopt. Aan de oost- en bovenkant van de rots staan de gebouwen van de organisatoren, leiders en soldaten. Aan de westkant, op een middenniveau, staan religieuze gebouwen. Een van de grootste is die met het Pergamon-altaar dat "van de goden en van de reuzen" wordt genoemd en een van de mooiste stukken Griekse beeldhouwkunst is. Een zeer groot theater heeft banken die over de zijkanten van de heuvel zijn uitgespannen, waarop mensen kunnen zitten, en biedt plaats aan bijna 10.000 mensen.

In die tijd maakten ze graag hele grote dingen. Zo was de tweede tempel van Apollo in Didyma. Hij stond twintig kilometer van Miletus in Ionië. Daphnis van Miletus maakte het ontwerp ervoor aan het eind van de vierde eeuw voor Christus (ongeveer 300 voor Christus), maar het is nooit afgemaakt. Men bleef het bouwen tot de 2e eeuw na Christus (voorbij 100 na Christus). Het heiligdom (speciale deel van de tempel) is een van de grootste die ooit in de buurt van de Middellandse Zee is gemaakt. Binnen een zeer grote ruimte heeft de cella twee rijen zuilen (hoge ronde dingen) rondom. De zuilen zijn van het Ionische type, bijna 20 meter hoog, met veel complexe stenen kunst op de bases en toppen.

 
Pergamon-altaar, Pergamon Museum, Berlijn  

Beeldhouwwerk

Hellenistische beeldhouwkunst omvat portretten die zaken als lijden, slaap of ouderdom tonen.

Attalus I (269-197 v.Chr.) liet ter herinnering aan zijn overwinning bij Caicus op de Galliërs - door de Grieken Galaten genoemd - twee series votiefgroepen beeldhouwen: de eerste, gewijd op de Acropolis van Pergamon, omvat de beroemde Galliër die zichzelf en zijn vrouw doodt, waarvan het origineel verloren is gegaan (de beste kopie bevindt zich in het Massimo alle Terme museum van Rome, zie afbeelding); de tweede groep, aangeboden aan Athene, bestaat uit kleine bronzen van Grieken, Amazones, goden en reuzen, Perzen en Galliërs. Artemis Rospigliosi van het Louvre is waarschijnlijk een kopie van een van hen; wat betreft de kopieën van de stervende Galliër, deze waren zeer talrijk in de Romeinse periode. De uitdrukking van de gevoelens, de kracht van de details - borstelig haar en snorren hier - en het geweld van de bewegingen zijn kenmerkend voor de Pergamene stijl.

Deze kenmerken komen tot hun recht in de friezen van het Grote Altaar van Pergamon, dat in opdracht van Eumenes II (197-159 v. Chr.) is versierd met een 110 meter lange gigantomachie die in de steen een speciaal voor het hof gecomponeerd gedicht illustreert. De Olympiërs triomferen erin, ieder aan zijn zijde, over reuzen waarvan de meesten zijn veranderd in woeste beesten: slangen, roofvogels, leeuwen of stieren. Hun moeder Gaia, die hen te hulp komt, kan niets doen en moet toezien hoe zij zich in pijn kronkelt onder de slagen van de goden.

Een ander fenomeen doet zich voor in de hellenistische beeldhouwkunst: de privatisering, waarbij oudere openbare patronen in de decoratieve beeldhouwkunst worden hernomen. Dit type retrospectieve stijl bestaat ook in de keramiek. De portretten zijn getint met naturalisme, onder invloed van de Romeinse kunst.

 
Barberini Faun, marmeren kopie van een bronzen origineel, rond 200 v.Chr., De Glyptothek, München  

Schilderijen en mozaïeken

Weinig Griekse muurschilderingen hebben de eeuwen overleefd. Wel kunnen we de hellenistische invloeden bestuderen in Romeinse fresco's, bijvoorbeeld die van Pompeï of Herculaneum. Bepaalde mozaïeken geven een vrij goed beeld van de "grote schilderkunst" uit die tijd: dit zijn kopieën van fresco's. Een voorbeeld is het Alexandermozaïek, dat de confrontatie weergeeft tussen de jonge veroveraar en de grote koning Darius III tijdens de Slag bij Issus, een mozaïek dat de muren van het Huis van de Faun in Pompeï siert. Het zou een kopie zijn van een door Plinius de Oudere (XXXV, 110) beschreven werk dat Philoxenus van Eretria schilderde voor koning Cassander van Macedonië aan het einde van de 4e eeuw voor Christus. Het mozaïek laat ons de keuze van de kleuren, de compositie van het geheel met draaiende beweging en gelaatsexpressiviteit bewonderen.

Archeologische ontdekkingen op de begraafplaats van Pagasae (nabij het huidige Volos), aan de rand van de Pagasetische Golf, of in Vergina (1987), in het voormalige koninkrijk Macedonië, hebben originele werken aan het licht gebracht. Het graf van Filips II bijvoorbeeld heeft een groot fries opgeleverd dat een koninklijke leeuwenjacht voorstelt, opmerkelijk door zijn compositie, de plaatsing van de figuren in de ruimte en de realistische weergave van de natuur.

De Hellenistische periode is eveneens de tijd van de ontwikkeling van het mozaïek, met name met de werken van Sosos van Pergamon, actief in de 2e eeuw v.C. en de enige mozaïekkunstenaar die door Plinius wordt genoemd (XXXVI, 184). Zijn voorliefde voor trompe l'oeil (optische illusie) en de effecten van het medium zijn terug te vinden in verschillende werken die aan hem worden toegeschreven, zoals de "Unswept Floor" in het Vaticaans museum, die de resten van een feestmaal voorstelt (visgraten, graten, lege schelpen, enz.) en het "Duivenbekken" in het Capitolijns Museum, bekend dankzij een reproductie die in de Villa van Hadrianus is ontdekt. Hierin zitten vier duiven op de rand van een bassin met water. Een van hen geeft zichzelf water terwijl de anderen lijken te rusten, wat zorgt voor effecten van reflecties en schaduw die door de kunstenaar perfect zijn bestudeerd.

 
Het Alexander mozaïek, uit het Huis van de Faun, Pompeii, nu in het Nationaal Archeologisch Museum, Napels.  

Keramiek

De Hellenistische periode is die van het verval van de beschildering op vazen. De meest voorkomende vazen zijn zwart en uniform, met een glanzend uiterlijk dat lijkt op vernis, versierd met eenvoudige motieven van bloemen of slingers. Het is ook de periode waarin vazen in reliëf verschijnen, ongetwijfeld in navolging van vazen gemaakt van edele metalen: kransen in reliëf werden aangebracht op het lichaam van de vaas, of de hier getoonde vaas kreeg aders of gadroenen. Men vindt ook complexere reliëfs, gebaseerd op dieren of legendarische wezens. Ook de vormen van de vazen zijn geïnspireerd op de traditie van het metaal: zo is er de lagynos (hier afgebeeld), een wijnkruik die typisch is voor die periode.

Tegelijkertijd bestond er een traditie van polychrome figuratieve schilderkunst: de kunstenaars streefden naar een grotere verscheidenheid aan tinten dan vroeger. Deze nieuwere kleuren zijn echter delicater en verdragen geen warmte. Het schilderen gebeurde dus na het bakken, in tegenstelling tot de traditionele praktijk. Door de kwetsbaarheid van de pigmenten konden deze vazen niet vaak worden gebruikt en werden ze gereserveerd voor gebruik bij begrafenissen. De meest representatieve exemplaren van deze stijl komen uit Centuripe op Sicilië, waar een werkplaats actief was tot de 3e eeuw v. Chr. De figuren, vaak vrouwelijke, zijn afgebeeld in gekleurde kleding: blauw-paarse chiton, gele himation, witte sluier. De stijl doet denken aan Pompei en ligt veel meer aan de kant van de grote eigentijdse schilderingen dan aan de erfenis van het aardewerk met rode figuren.

 
Lagynos versierd met muziekinstrumenten, 150100 ‑BC, het Louvre  

Minder belangrijke kunsten

Metalen kunst

Dankzij de vooruitgang in het bronsgieten konden de Grieken grote werken maken, zoals de Kolossus van Rhodos, met een hoogte van 32 meter. Veel van de grote bronzen beelden gingen verloren - de meeste werden gesmolten om het materiaal terug te winnen. Hierdoor bestaan alleen de kleinere objecten nog. Gelukkig waren de grondstoffen tijdens het Hellenistische Griekenland overvloedig aanwezig na veroveringen in het oosten.

Het werk aan metalen vazen kreeg een nieuwe volheid: de kunstenaars wedijverden onder elkaar met grote virtuositeit. In Panagyurishte (nu in Bulgarije) zijn vakkundig gebeeldhouwde gouden vazen gevonden: op een amfoor vormen twee steigerende centauren de handvatten. In Derveni, niet ver van Salonica, is in een graftombe een grote krater met bronzen voluten gevonden die dateert uit ongeveer 320 v.Chr. en 40 kilogram weegt (Derveni krater). Hij is versierd met een 32 centimeter hoog fries van figuren in reliëf die Dionysos voorstellen, omringd door Ariadne en haar processie van saters en maenaden. De hals is versierd met siermotieven, terwijl vier saters in hoog reliëf nonchalant op de schouders van de vaas zitten. De evolutie is vergelijkbaar voor de juwelenkunst. De juweliers van die tijd blonken uit in het bewerken van details en filigrafie: zo vertonen de rouwkransen zeer realistische boombladeren of graanstengels. In deze periode floreerde het inleggen van edelstenen.

De beeldjes waren al even modieus. Zij stelden zowel godheden als onderwerpen uit het hedendaagse leven voor. Zo ontstond het thema van de "neger", vooral in het Ptolemeïsche Egypte: deze beeldjes van zwarte adolescenten waren succesvol tot in de Romeinse tijd. Soms werden ze gereduceerd tot een echo van een vorm uit de grote beelden: zo vindt men talrijke kopieën in miniatuur van de Tyche (geluk) van Antiochië, waarvan het origineel dateert uit het begin van de 3e eeuw v.Chr.

Terra cotta beeldjes

Vroeger was het Griekse terracotta beeldje voorbehouden aan religieus gebruik, maar in het hellenistische Griekenland werd het vaker gebruikt voor funeraire en zelfs decoratieve doeleinden. De verfijning van de giettechnieken maakte het mogelijk echte miniatuurbeeldjes te maken, met een hoog niveau van detail.

In Tanagra, in Boeotië, stellen de beeldjes, vol levendige kleuren, meestal elegante vrouwen voor in scènes vol charme. In Smyrna, in Klein-Azië, kwamen twee grote stijlen naast elkaar voor: allereerst kopieën van meesterwerken van grote beeldhouwkunst, zoals de Hercules van Farnese in verguld terra cotta. In een heel ander genre zijn er de "grotesken", die in schril contrast staan met de canons van de "Griekse schoonheid": de koroplathos (beeldjesmaker) ontwerpt misvormde lichamen in kronkelige poses - gebochelden, epileptici, hydrocefalie, zwaarlijvige vrouwen, enz. Men kan zich dus afvragen of dit medische modellen waren, aangezien de stad Smyrna bekend stond om haar medische school. Of het zijn gewoon karikaturen, bedoeld om de lachlust op te wekken. De "grotesken" komen even vaak voor in Tarsus als in Alexandrië.

Kunst van glas en glyptiek

Het was in de Hellenistische periode dat de Grieken, die tot dan toe alleen gegoten glas kenden, de techniek van het glasblazen ontdekten, waardoor nieuwe vormen mogelijk werden. De glaskunst ontwikkelde zich vooral in Italië. Gegoten glas werd voortgezet, met name in de creatie van diepdrukjuwelen.

De kunst van het graveren op edelstenen ging nauwelijks vooruit en beperkte zich tot massaproducten zonder originaliteit. Ter compensatie deed de camee zijn intrede. Het gaat om het snijden in reliëf op een steen die bestaat uit verschillende gekleurde lagen, waardoor het voorwerp in reliëf wordt gepresenteerd door de effecten van kleur. Daarna wordt het gemonteerd op een hanger of als ring. De Hellenistische periode leverde enkele meesterwerken op zoals de Gonzaga camee Archived 2009-04-02 at the Wayback Machine, nu bewaard in het Hermitage Museum.

 
Zwaarlijvige vrouw met een kruik wijn, Kertch, tweede helft 4e eeuw voor Christus, Louvre  


Elementen van een begrafeniskroon, 3e eeuw CE, Louvre  

Gerelateerde pagina's

• Gevleugelde overwinning van Samothraki